Georgia O'Keeffe "...Ich kann nicht leben wie ich möchte …, da wäre ich blöd, wenn ich nicht wenigstens male, was ich möchte“ Ins Blaue Kapitel 23
„Ich wuchs ähnlich auf wie die meisten - und eines Tages merkte ich, wie ich zu mir sagte: Ich kann nicht leben wie ich möchte … Ich kann noch nicht einmal sagen, was ich möchte … Ich entschied, dass ich ein sehr dummer Narr bin, wenn ich nicht wenigstens male, was ich möchte.“ lautet das vollständige Zitat von Georgia O’Keeffe.
Berühmt geworden ist sie für die großformatigen Blumenbilder, von denen ich hier einige zeigen werde.
Im Titel sehen wir Oriental Poppies von 1927, hängt im Weisman Art Museum of the University of Minnesota.
Samten sind die Rottöne, fein abgestuft fast wie in einem Aquarell, samten auch das Schwarz des Blüteninneren. Das Auge erzählt dem Tastsinn. Gleichzeitig ist es explosiv und kraftvoll. Ich wäre gern ein Mohnwesen, um mich in diesen leuchtenden Mohn zu verlieben.
"Wenn du eine Blume in die Hand nimmst und sie wirklich ansiehst, ist sie für einen Moment deine Welt." O’Keefee
Als ich nach Texten über das Mohnbild suchte, gelangte ich auf eine Seite über die Hunderasse Chow-Chow, dort gibt es einen Artikel über Georgia O`’Keeffe mit eben diesem Mohnbild. Sie hatte nämlich den größten Teil ihres Lebens zwei Chow Chows an ihrer Seite. Zu sehen sind schöne Fotos von ihr und ihren Hunden. Wer sie anschauen möchte, hier der Link.
Und zu den weiteren Kapiteln über Georgia O’Keeffe geht es hier: Georgia O'Keefe - “Wie Musik, die Löcher in den Himmel reißt…” - Petruschkis Fahrt ins Blaue - Kapitel 21 und Georgia O'Keeffe …zu sehen braucht Zeit, wie einen Freund zu haben Zeit braucht…Kapitel 22 - Petruschkis Fahrt ins Blaue
Georgia O’Keeffe Storm Cloud Lake George, 1923
Georgia O'Keeffe Storm Cloud, Lake George, 1923. Öl auf Leinwand, 18 x 30 1/8 Zoll.
Sommer am Lake George, New York
Das Foto von Storm Cloud, Lake George der Ausstellung in Madrid ist nicht besonders gelungen. Es waren wirklich viele Leute dort, trotz der Pandemieeinschränkungen. Ein gutes Plätzchen vor den Bildern zu ergattern, war nicht so einfach. Und ich kam immer in den Konflikt zwischen versunkenem Schauen und Photos zu machen. Allerdings mag ich auch, wie man durch die Reflexion des Lichts die Textur der Farbe sieht und den feinen Pinselstrich O’ Keeffes. Das Wort “dräuend” fällt mir zu dem Bild ein. Da braut sich was zusammen…Dunkle Wolken, aufgewühltes Wasser, eine Vereinigung zwischen Himmel und See. Und das Bild klingt…. mit seinen bewegten, schwer schwingenden Formen, klingt es.
Am Lake George, dem Adirondack-See (in der Sprache der Irokesen hieß er Andiatarocte - der eingeschlossene See) verbrachte Georgia O’Keeffe von 1918 bis 1934 die Sommer und Herbstmonate auf dem Familienanwesen von Stieglitz’ Familie. Im August 18 hatte sie Stieglitz Angebot akzeptiert, sie finanziell zu unterstützen, damit sie sich ganz der Malerei widmen konnte. Sie verbrachte ihren ersten Sommer dort und schrieb: “Noch nie in meinem Leben bin ich so glücklich gewesen.”
Später empfand sie die Landschaft als erdrückend und sie schrieb 1931 an einen Freund:
"Hier bin ich vom Grün erdrückt. Ich gehe viel spazieren und ertrage das Grün ... Schenke meine Liebe dem Wind und den großen Räumen."
Erst die weite Wüstenlandschaft New Mexicos wurde ihr ganz eigener Inspirationsraum. Quelle - Lynn Woods
Aber am Lake George fand sie in der Natur viele ihrer Motive. Sie pflegte den Garten des Anwesens und begann mit den großformatigen Blumenbildern.
Storm Cloud, Lake George ist insofern ungewöhnlich, als O'Keeffe in ihren Gemälden nur selten das Phänomen des Wetters thematisiert. Hier bewegen sich die Wolken über den Himmel und drücken auf das Land und das Wasser. Sie vermitteln ein Gefühl der Enge, das sowohl für das Hinterland von New York charakteristisch ist, als auch in direktem Gegensatz zu den offenen Landschaften im Nordwesten von Texas steht. Quelle: Geogia O’Keeffe. net
"Es scheint seltsam, heute Abend an dich am Lake George zu denken - ich kann die Natur riechen - und hören - und die Sterne sehen - so oft bin ich abends vor dem Schlafengehen zur Scheune hinausgegangen und habe mir den Himmel auf dem offenen Platz angesehen. Es gab kein helles kleines Haus - es gab keine Menschen - es gab nur die Nacht - ich werde nie wieder zurückgehen - vielleicht, um nur für einen Moment dort zu stehen, wo ich das bisschen, das von Alfred nach der Einäscherung übrig geblieben ist, hingestreut habe - aber ich glaube, nicht einmal dafür. Ich habe ihn dorthin getan, wo er den See hören würde." An den Neffen von Alfred Stieglitz, 1950
Hier ist ein interessantes Video über die Restaurierung dieses Bildes zu sehen.
Georgia O’Keeffe From the Lake Nr.1, 1924
From the Lake Nr.1, 1924
Natur in Gegenständlichkeit und Abstraktion
Georgia O'Keeffe treibt die Landschaft in die Abstraktion und zelebriert die Rhythmen und Farben des Sturmes über Lake George in einem Werk, das gleichzeitig aus ihren eher gegenständlichen Ansichten und aus ihren Abstraktionen erwächst.
Die dynamische Anordnung der Formen zeigt die Suche nach einem abstrakten Äquivalent zu den Kräften der Natur. Das regte O'Keeffes malerische Phantasie an. Mit langgestreckten Formen destillierte O'Keeffe die Essenz des Sturms, der über den Lake George fegte.
Aus solchen natürlichen Inspirationen schöpfte O'Keeffe die Grundlage für ihre unverwechselbare Malerei und ihre Kompositionen, die die Fortsetzung ihrer abstrakten Vision in den 1920er Jahren markieren, auch wenn sie sich gleichzeitig zu mehr gegenständlichen Ansichten der Welt um sie herum bewegte. Quelle - O’Keeffe.net
Hier ein kurzes Video des Des Moines Art Centers über dieses Bild
Georgia O’Keefe The White Calico Flower, 1931
Blumen im Focus
Georgia O'Keeffe erspürte ihre Umgebung, die Landschaft um den Lake George, die Blumen, die Herbstblätter und reagierte mit ihrer Malerei darauf. Als eine Nonne während ihrer Schulzeit eine Aracea-Blüte als Beobachtungsmaterial im Kunstunterricht verwendete, vertiefte sie sich in diesen Mikrokosmos.
Ihre ersten Gemälde mit großen Blumenmotiven, die die gesamte Fläche der Leinwände einnahmen, stammen aus dem Jahr 1924, obwohl sie bereits seit 1918 an diesem Thema arbeitete. Der Anlass für die Vergrößerung war eine kleine Blume, die sie in einem Stillleben von Fantin-Latour erblickte. Sie sagte damals:
"Eine Blume ist relativ klein. Jeder hat Assoziationen mit einer Blume, mit der Idee einer Blume (...). Doch in gewisser Weise betrachtet niemand wirklich eine Blume. Sie ist so klein - wir haben keine Zeit - aber es braucht Zeit, um zu sehen, genauso wie Freundschaften Zeit brauchen (...). Also sagte ich mir, ich werde malen, was ich sehe, was die Blume für mich bedeutet. Aber ich male es groß, damit die Leute überzeugt werden, sich die Zeit zu nehmen, es sich anzusehen. Sogar vielbeschäftigte New Yorker werden dazu gebracht, es zu tun.”
In der Austellung "Seven Americans" 1925, organisiert von Stieglitz, hatten ihre Blumenbilder großen Erfolg. Allein zwischen 1918 und 1932 schuf sie mehr als zweihundert dieser Gemälde, Porträts von ganz “gewöhnlichen” Blumen wie Rosen, Petunien, Mohn und Sonnenblumen, ebenso wie seltenere, die schwarze Iris zum Beispiel oder Orchideen. Die großformatigen Gemälde der Calla-Lilien waren besonders eindrücklich und wurden zu einer Art O’Keeffe Markenzeichen. Sie waren ihr in einem Blumenladen am Lake George aufgefallen: "Ich fing an, über diese Calla-Lilien nachzudenken, denn die Leute mögen sie entweder sehr gerne oder überhaupt nicht. In meinem Fall haben sie jedoch keine Gefühle ausgelöst.” Quelle El Rebobinador
Georgia O’Keeffe CallaLilly on Grey 1928
Die Farben der Blumen
Meistens füllen ein oder zwei Blüten den größten Teil der Leinwand, wie im Titelbild der Mohnblumen; durch die Vergrößerung werden die äußeren Konturen der Blätter und Stängel oft abgeschnitten. Wie auf einer Fotografie. Siehe Toulouse-Lautrec (er begann Ende des 19.Jahrhunderts mit diesen angschnittenen Blickwinkeln, wie auf einer Fotografie). Der Betrachter muss das Bild an den Rändern vervollständigen. Durch die Vergrößerung sehen wir die Blumen nicht in ihrer natürlichen Umgebung, sie sind überdimensioniert.
Die Nahaufnahme ermöglicht einen detaillierten Blick auf die individuelle Struktur der Blüte. In O'Keeffes Blumenbildern ist die wachsartige Konsistenz dieser Calla-Lilien ebenso sorgfältig wiedergegeben wie das samtige Gewebe einer Iris. Die Anordnung der Farbe auf der Leinwand in engen, für das Auge nicht wahrnehmbaren Pinselstrichen begünstigt den Eindruck von materieller Konsistenz und Festigkeit, und die besondere Grundierung der Leinwand, ihr Glanz, ihre Glätte und ihre ausgezeichnete Qualität, tragen zu der von ihr angestrebten technischen Perfektion bei.
Ihr zentrales Anliegen war die formale Vereinfachung der Blume. Die Calla-Lilien, verführerisch in ihrer strukturellen Einfachheit, scheinen vielleicht deshalb eines ihrer Lieblingsmotive zu sein. Oft sind ihre Blumenporträts bestimmten Farbtönen gewidmet, wie ihre Titel zeigen. Um das Blau genauer zu studieren, ließ O’Keeffe am Lake George eine Zeit lang violette Petunien pflanzen. O'Keeffe, die die Chromatik als ihr wichtigstes Ausdrucksmittel betrachtete, erklärte in einem Brief an William Milleken:
"Ich weiß nicht, ob die Blume oder die Farbe das Wichtigste ist. Ich weiß nur, dass ich die Blume so groß gemalt habe, um die Erfahrung mitzuteilen, die durch meinen Kontakt mit der Blume entstanden ist; und was ist meine Erfahrung mit der Blume anderes als eine Erfahrung der Farbe? Die Farbe ist eines der wunderbaren Dinge, die das Leben für mich wertvoll machen, und wenn ich jetzt über die Malerei nachdenke, versuche ich, mit der Farbe eine Entsprechung für die Welt, für das Leben, wie ich es sehe, zu schaffen.”
Georgia O’Keeffe Corn Dark, 1924
Im Sommer 1924 malte O'Keeffe drei Bilder in denselben Farben und engen Formaten von den Maisstängeln in ihrem Garten am Lake George. Mehr als fünfzig Jahre später erinnerte sie sich an "die hellen Adern der dunkelgrünen Blätter, die sich in entgegengesetzte Richtungen erstrecken. Und jeden Morgen lief ein kleiner Tautropfen die Adern hinunter in die Mitte dieser Pflanze wie ein kleiner See - alles fein und frisch." Quelle
Georgia O’Keefe Clam and Mussel, 1926
Wie eigentlich doch alle Kinder war Georgia O’Keeffe als kleines Mädchen von Muscheln fasziniert. “Als ich klein war, …nahm ich eine Muschel…und ich hielt sie mir ans Ohr. Man hatte nir gesagt, man könne das Meer darin hören. Ich habe damals nicht das Meer gehört, aber der Klang der Muschel, den ich hörte war wunderschön. Also sammle ich immer Muscheln, wenn ich an einem Ort bin, wo es welche gibt.” Sie hat sich auch als Kind nichts vormachen lassen und ihre eigene Sicht. 1926 war sie in Maine, an der Atlantikküste und brachte von dort Muscheln in ihr Altelier am Lake George. Sie vergrößerte sie ebenso wie die Blumen, so dass sie die ganze Leinwand ausfüllten. In der Geschichte des Stillebens ist die leere Muschel ein Symbol der Vanitas, der Vergänglichkeit. Hier aber konzenriert sich O’Keeffe auf das Leben, die Muschel ist nicht leer. Und doch schwingt etwas von Vanitas mit, durch die schwarzgraue Farbskala, die weichen geschwungenen, auf eine Art auch erotischen Formen spürt man die Vergänglichkeit der Schönheit.
Georgia O’Keeffe Concha y viejo tablon de madera VI
Einfachheit und Größe
In den frühen 1920er Jahren malte Georgia O'Keeffe einzelne Bilder von einfachen Formen, die sie in der Natur fand, Muscheln, Knochen, Blumen, als Reaktion auf die übermäßige Intellektualisierung und Isoliertheit, der die Malerei zu dieser Zeit unterworfen war. Shell and Old Shingle V, das 1926 entstand, gehört zu einer Reihe von kleinen Kompositionen, die diesen beiden natürlichen Objekten gewidmet sind. Die Malerin selbst beschrieb die zufälligen Umstände, die sie zur Entstehung dieser Bilder veranlassten: "Wir waren dabei, die Scheune zu schindeln, und die alten Schindeln, die wir abgenommen hatten, flogen frei umher. Geistesabwesend hob ich eine lose Schindel auf und trug sie ins Haus und auf den Tisch in meinem Zimmer. Auf dem Tisch lag eine weiße Muschelschale, die ich im Frühjahr aus Maine mitgebracht hatte. Ich hatte sie gemalt, und sie lag immer noch da. Die weiße Form der Muschel und die graue Form der verwitterten Schindel waren wunderschön gegen das blassgraue Blatt auf dem schwach rosa gezeichneten Muster der Tapete. Das Hinzufügen der Schindel brachte mich wieder zum Malen."
O'Keeffe begann die Serie mit einer ziemlich realistischen Darstellung der Schindel und der Muschel und fügte der ersten und dritten Version zwei Blätter hinzu. Die zweite und die sechste Version sind recht ähnlich, und die vierte Version ist vielleicht die abstrakteste, da sie eine Nahaufnahme darstellt. Die fünfte Version, die sich im Besitz des Thyssen-Bornemisza-Museums befindet, ähnelt der sechsten, ist aber weniger abstrakt. In all diesen Kompositionen zeigt O'Keeffe ihr ständiges Bestreben, die Spannungen zwischen Realismus und Abstraktion auszugleichen; in der Tat zielte der Verlauf der Serie gerade darauf ab, die natürlichen Formen immer abstrakter darzustellen.
Die zarten Abstufungen und die exquisite Leuchtkraft der Komposition, die diesen bescheidenen Gegenständen Größe zu verleihen scheinen, haben zweifellos zu ihrem Erfolg beigetragen.
Website des Museums Thyssen Text von Paloma Alarcó mehr Text bei Fotos bei Fotos
Georgia O`’Keeffe White Iris Nr 7 , 1957
Weiße Iris Nr. 7.
To sex or not to sex?
Diese Bilder wurden sehr oft aus einer geschlechtsspezifischen Perspektive erklärt und fast immer wurde eine sexuelle Bedeutung interpretiert. Auch wenn solche Erklärungen die künstlerische Bedeutung der Bilder nicht schmälern, lehnte die Malerin diese ihrer Meinung nach falsche Interpretation systematisch ab, wie der Text zeigt, den sie 1939 im Katalog der Ausstellung in der New Yorker Galerie veröffentlichte und in dem sie erklärte:
"Nun - ich habe Sie dazu gebracht, sich Zeit zu nehmen, um zu sehen, was ich gesehen habe, und als Sie sich Zeit genommen haben, meine Blume wirklich wahrzunehmen, haben Sie alle Ihre eigenen Assoziationen mit Blumen an meine Blume gehängt und Sie schreiben über meine Blume, als ob ich denke und sehe, was Sie von der Blume denken und sehen - und das tue ich nicht."
Man kann es kaum verhindern, bei diesem Bild nicht an Sex und Erotik zu denken und es mit den weiblichen Genitalien in Verbindung zu bringen. Aber dieses Gemälde einer Iris, kann wie viele von O'Keeffes Blumenbildern, als eine Meditation über die Schöpfung und den Umgang mit der geistigen und der materiellen Welt interpretiert werden.
Website des Museum Thyssen Text von Paloma Alarcó
Georgia O’Keefe Black Abstraction, 1927
Black Abstraction
von 1927 ist eines der abstraktesten Gemälde von O'Keeffe und zeichnet sich durch eine strenge Gestaltung und eine begrenzte Farbpalette aus. Drei kreisförmige Elemente dominieren die Komposition, die sich von der äußersten schwarzen Scheibe über den grauen Bogen bis hin zum weißen Punkt, der als Mittelpunkt des Bildes dient, verkleinern. Das einzige andere kompositorische Element, das diese Formen durchschneidet, ist eine wellenförmige grau-weiße Linie, die an einen sanften Hügel oder eine Körperkontur erinnert und in die sich der weiße Punkt einfügt. Der diagonale Verlauf der Linie über das Bild dient dazu, der Bewegung der konzentrischen Kreise entgegenzuwirken und den Punkt im weiten schwarzen Raum zu fixieren. O'Keeffe´wurde für ihre "emotionalen" Farben kritisiert ("man sollte keine gelben Bilder malen, man sollte keine rosa Bilder malen"), aber in der schwarzen Abstraktion hat sie eine aggressiv schlichte Palette gewählt. Trotz der düsteren Assoziationen, die diese Farbpalette hervorruft, ist O'Keeffes Schwarz weich und samtig, nicht weniger sinnlich als ihre früheren vermeintlich "weiblichen" Farbschemata.
Das Gemälde stellt in der Tat die Kristallisierung eines Gefühlsmoments dar und wurde durch einen Vorfall im Sommer 1927 ausgelöst, als O'Keeffe im Mount Sinai Hospital in New York wegen eines gutartigen Knotens in ihrer Brust operiert wurde. Sie erinnert sich: "Ich lag auf einer Bahre in einem großen Raum, zwei Krankenschwestern schwebten über mir, über mir ein sehr großes Oberlicht. Ich hatte beschlossen, so lange wie möglich bei Bewusstsein zu bleiben. Ich hörte, wie der Arzt seine Hände wusch. Das Oberlicht begann sich zu drehen und wurde langsam in einem schwarzen Raum kleiner und kleiner. Ich hob meinen rechten Arm über den Kopf und ließ ihn fallen. Als das Dachfenster zu einem kleinen weißen Punkt in einem schwarzen Raum wurde, hob ich meinen linken Arm über meinen Kopf. Als er zu sinken begann und der weiße Punkt sehr klein wurde, war ich weg." Ein paar Wochen später wurde all dies zur Schwarzen Abstraktion. Quelle: visual-arts-cork.com
Dieses Gemäldezeigt ungewöhnlicherweise einen Blumenstrauß und nicht eine oder zwei einzelne Blüten. Gelbe Narzissen aus einem entfernteren Blickwinkel. Der Blumenstrauss ist das zentrale Motiv des Gemäldes, aus dem sich kanariengelbe Blüten und Blätter hervorheben. Hellgrüne Farbtöne definieren die Falten des Blattwerks und kontrastieren mit den gelben Blütenspitzen der Osterglocken. Ein blassgrauer Hintergrund hebt die zentrale Figur noch mehr hervor und lässt die Blumen wie einen hellen Lichtimpuls erscheinen. Quelle: 1000museums.com
Georgia O’Keeffe Jimson Weed White Flower No 1, 1932
Magical Flower oder von wem Frida Kahlo lernte, Blumen zu malen
O'Keeffe mochte die Stechapfelpflanze sehr gern. Stechapfel kann starke Halluzinationen hervorrufen und ist ziemlich giftig. Ein legendäres Hexenkraut. Sie pflanzte ihn auf ihrer Terrasse an und malte ihn. Einigen Stechapfelbildern gab sie den Namen “Miracle Flower” / Wunderblume.
Im November 2014 wurde Jimson Weed/White Flower No. 1 bei einer Auktion von Sotheby's für 44,4 Millionen Dollar verkauft. Damit war Georgia O’Keeffe die Malerin, deren Gemälde am teuersten verkauft wurden.
Quelle Geogia O’Keeffe.net
"She didn’t make love to me that time. I think on account of her weakness. Too bad."
Schrieb Frida Kahlo 1933 an Clifford Wright, ein Assistent ihres Mannes. Nachdem sie Georgia O`Keeffe besucht hatte, die wegen eines Nervenzusammenbruchs im Krankenhaus lag. Den folgenden Brief hatte sie ihr kurz zuvor geschrieben.
Brief von Frida Kahlo an Georgia O’Keeffe 1933
Als sie sich kennenlernten war Frida Kahlo 24 Jahre alt, halb so alt wie Georgia O’Keeffe. Frida Kahlo sagte einmal, dass sie von O’Keefe gelernt hätte, Blumen zu malen.
Es gibt keine Briefe von O’Keeffe an Frida Kahlo. Aber als Kahlo ihre erste Soloaustellung in New York hatte, im November 1938 kam O’Keeffe zur Eröffnung, obwohl sie sich zu dieser Zeit des Jahres normalerweise in New Mexico aufhielt. Anfang der 1950er Jahre besuchte O’Keeffe Frida Kahlo mindestens zweimal im Blauen Haus. Dieses mal lag Frida Kahlo im Krankenbett. Ihr Band erstreckte sich also über zwei Jahrzehnte…. Quelle arthive.com Flirting, Tequilla and Flowers
Im nächsten Kapitel gibt es weite Landschaften, weichen Frauenkörpern gleich. Betrachtungen über eine zeitenüberschreitende Künstlerin. Und wieder viel Staunen.
